Leggere un'opera d'arte
L’artista traduce simbolicamente il peccato in figure molto carnali e dalle pose lascive (come nella parte sinistra della composizione), le stesse
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Qui l’artista usa una struttura compositiva molto particolare: organizza i personaggi secondo una traiettoria circolare in modo che racchiudano uno
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, alla macabra descrizione degli avanzi del pasto del drago l’artista contrappone un paesaggio fiabesco sullo sfondo; nel secondo dà sfogo ad una nota di
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Tipicamente fiammingo è il modo con cui l’artista indaga gli oggetti da toilette sparsi sul prato e l’acconciatura della donna. Il Domenichino, nel
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Trionfo di Mardocheo, che raffigura il momento in cui Mardocheo vestito di abiti regali è portato in trionfo sul carro del re, l’artista esaspera il
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Nella seconda invece l’artista raffigura Giuditta mentre ritorna a Betulia con la sua ancella Abra che tiene sopra il capo la testa di Oloferne
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vere e proprie “invenzioni” dell’artista.
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Ribera (artista spagnolo di ispirazione caravaggesca) nella composizione Apollo e Marsia (figura 77) del Museo di Capodimonte, usa un’iconografia
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manieristica dello stile con cui ha dipinto l’artista.
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alcuno schema prestabilito; inoltre, molto più dei caratteri psicologici l’artista cerca nel volto del modello la traccia degli eventi vissuti, ed in
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In quest’opera, conservata negli Uffizi, l’artista raffigura i due personaggi in una dimensione che sembra trascendere il tempo, stilisticamente ed
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riguardante, quasi che l’artista abbia voluto così simboleggiare un confine tra la “vita attiva” e la “vita contemplativa”, tra il tempo vissuto e il tempo
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’artista più rappresentativo del genere, nella sua epoca il Ritratto di Madame Pompadour, conservato nella Alte Pinakotek di Monaco, si impone subito per
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suggerire lo spazio, reso con una bella prospettiva a volo d’uccello, l’artista, rappresentando dei lavori svolti in stagioni diverse, vuole esprimere anche
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alla realtà sensibile. Una volta stabilito il principio, che è alla base di questo modo di interpretare la natura, l’artista può anche rivivere il
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restituire il senso del dramma, riesce a trasmetterci una ben determinata sensazione di tattilità. L’artista è in grado di farci cogliere la fisicità di
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metafisico, che trova in Giorgio De Chirico il suo principale artefice. Nelle sue Piazze d’Italia l’artista sembra bloccare il tempo, per creare un
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rappresentazione illusionistica, attraverso la quale l’artista poteva dimostrare la sua abilità nel simulare la realtà. Significativo è l’episodio descritto
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In un altro dipinto dello stesso artista, lo Spaccio di carne (figura 128) Figura 128 - PETER AERTSEN, Lo spaccio di carne, 1551, Universität
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messaggio che l’artista ha voluto dare appare piuttosto chiaro: il cibo e il sesso se vissuti smodatamente, come piacere, conducono alla perdizione e cioè
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che l’artista si sentiva più scultore che pittore) e viene in genere associata non tanto all’effetto chiaroscurale ma al cangiantismo dei colori, come
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Egli proveniva da una famiglia di pittori, divenne prete, ma per tutta la vita accanto all’ufficio religioso esercitò il mestiere di artista
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del tempo. Un bell’esempio ci viene offerto dalla Natura morta con libri, di un anonimo artista spagnolo, conservata nei Musei di Stato di Berlino, dove
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composizione con Fiori sul tronco, della Ruysch e conservata nel Museo di Kassel, ci offre lo spunto per analizzare il tema. L’artista mostra un ceppo
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emanarla essi stessi; la luce quindi è usata in funzione espressiva e non costruttiva. In genere l’artista realizzava i suoi dipinti servendosi della
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quella desiderabile visione (figura 142). La seconda rivela quel sottile compiacimento estetico che spesso allontana l’artista dal dato realistico; la
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’artista che giovanissimo vive una relazione incestuosa con la sorella e più tardi subirà un processo e un arresto per corruzione di minorenne. I suoi
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suoi nudi, che spesso mostrano corpi in decadenza, sono la negazione dell’eros, ed evocano un senso di grottesco, quasi che l’artista si proponga un
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contaminazioni cubiste. Gilles Néret in un saggio sull’artista ha reso con poche parole le sensazioni evocate dai suoi nudi: "A guardare le donne di Tamara si
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Roma. Qui l’artista fonde in maniera esemplare i principi della prospettiva architettonica con quelli della prospettiva aerea, creando un sistema di
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È indubbio il fatto che rappresentando lo spazio l’artista voglia darci l’illusione della realtà, simulare cioè qualcosa che appartiene alla sfera
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spirituale nell’arte, dove l’artista cerca di elaborare un parallelismo tra la musica e il colore.
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Caravaggio, tanto per fare un esempio conosciuto, possono rientrare nei primi due casi (in genere l’artista usa una luce che proviene da destra o da
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, oppure come espressione del sentimento e della visione del mondo dell’artista. Il risultato è una maggiore o minore fedeltà al dato naturalistico
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materia, esiste già nel nous (pensiero) dell’artista; l’arte è un’operazione spirituale, soggettiva, sia per l’artista che dà forma a ciò che ha dentro di
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è più l’oggetto che viene riprodotto dall’artista, il quale l’accoglie nella propria visione, ma è l’artista che con l’atto della visione si situa
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sganciata dalla realtà, ormai rappresenta solo se stessa e così facendo “rappresenta” l’artista.
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conclusione che i due modi dipendono dal rapporto che l’artista ha con il mondo che lo circonda: quando il rapporto è armonico cerca di “imitare” la
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si cela dietro il simbolismo unito a quello che l’artista involontariamente evoca rispecchiando la cultura del suo tempo).
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3. Analisi iconologica. Analisi del significato che si cela dietro all’iconografia, voluto dall’artista, oppure frutto del tutto involontario della
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: qui gli elementi della composizione sono molto ridotti e la scena è ravvicinata (figura 19). L’attenzione dell’artista si concentra nella resa degli
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RIPOSO DALLA FUGA IN EGITTO: Prima del XVI secolo nessun artista aveva mai rappresentato il tema che trovò nella pittura nordica la sua prima
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L’artista avvicina la scena e ricorre alla tipica “forma chiusa”, con la figura dell'Angelo, intento a suonare un violino, che funge da asse di
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, tanto che il Tribunale dell’inquisizione processò l’artista, assolvendolo, alla fine, ma costringendolo a cambiare titolo all’opera.
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L’artista però avvicina la scena, disponendo in primo piano ed in scorcio le figure dei tre apostoli addormentati, nel piano intermedio l’immagine
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Il colore e la forma corrispondono poi a quei caratteri antinaturalistici tipici del manierismo che l’artista porta alle estreme conseguenze.
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Giuda è di dimensioni maggiori rispetto a quello dei soldati, e questo non è dovuto al fatto che l’artista abbia voluto rappresentare un effetto di
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dei flagellatori, incarnare il male, come possiamo vedere nella Flagellazione conservata a Brera. Il corpo di Cristo ha una posa rilassata e l’artista
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la definì come “l’immagine di una farfalla trafitta”), l’artista costruisce la stupenda struttura in cui si situano le figure attorno al Cristo
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preda ad uno svenimento ed è sostenuta da San Giovanni, l’artista raffigura uomini e donne che manifestano in modi diversi la loro partecipazione all
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Accademia della crusca
